AUTORRETRATOS COLECCIÓN MUSEO EMILIO CARAFFA

Albrecht Dürer Autorretrato con un abrigo de pieles

Aclaración: Esta obra no pertenece a la Colección del Museo Emilio Caraffa

En su Autorretrato con un abrigo de pieles realizado en 1500, Albrecht Dürer plasmó su imagen con notable maestría y la clara intención de autoexponerse, artística y socialmente. En latín y en dorado, con la caligrafía propia de los humanistas, escribió sobre fondo oscuro y a la misma altura de sus ojos, una frase que podría constituir un sintético manifiesto de quienes hoy hacen de las autofotos una práctica cotidiana:
“Yo Albrecht Dürer de Nurenberg, con colores apropiados, me he creado a mí mismo, a mi imagen, a la edad de veintiocho años.”
Sus autorretratos sirvieron de estímulo para el surgimiento de un nuevo género y se anticiparon, en más de quinientos años, a la aparición de la selfie. Esta comparte con el autorretrato clásico un rasgo en común: el espejo y su utilización como medio para la autorrepresentación. En su versión más clásica, aquel nace de la pretensión, por parte del artista, de constituirse en objeto y tema de su obra, para ocupar el lugar que, hasta ese momento, había estado casi exclusivamente destinado a las figuras religiosas, los reyes y las reinas, los nobles y los ricos burgueses.

Fernando Fader: Autorretrato

Óleo sobre tela
100 x 80 cm -1914

Esta obra es un autorretrato del autor sentado, en un interior oscuro. El mayor interés de esta pintura está en el rostro –de frente, con sombrero y lentes- por el gesto casual de su actitud, por la precisión de los detalles y por la construcción cromática de las luces y las sombras. Coincidiendo con estos focos de atención, la pincelada es pequeña y minuciosa, en algunas zonas la materia está aplicada con espátula. A partir de este punto, los detalles, al distanciarse del rostro empiezan a disolverse. Tan sólo a través de timbres de luces saturadas y de amplias y rápidas pinceladas queda insinuada la anatomía del cuerpo de Fader bajo los pliegues de un sobrio abrigo.

Biografía

(Burdeos, Francia, 1882 - Ischilín, Córdoba, 1935)
Realiza sus estudios primarios y secundarios en Francia y Alemania, tras lo cual regresa a Mendoza, ciudad que algunos autores señalan como su lugar de nacimiento. En 1900 viaja nuevamente a Europa y recorre varios países visitando museos y galerías. Instalado en Alemania, inicia su formación artística con Heinrich von Zügel, en el Real Instituto de Artes y Ciencias de Munich. Vuelve a Mendoza en 1904 y realiza allí su primera exhibición. En 1905 expone en el Salón Costa de Buenos Aires, recibiendo elogiosos comentarios. Repite la experiencia al año siguiente, momento en que debe hacerse cargo también de la empresa hidroeléctrica que hereda tras la muerte de su padre.
En 1907 forma el grupo Nexus junto a Collivadino, Lynch, Ripamonte y Quirós, entre otros. El grupo interviene en la polémica sobre la posibilidad de un arte nacional. En este sentido, gran parte del interés de sus integrantes se dirige hacia el paisaje y las escenas costumbristas, en los que son capitalizados ciertos hallazgos del impresionismo. Sus planteos estéticos subsisten aún después de disuelto el grupo, en 1908, a partir de los desarrollos individuales de sus principales representantes -Fader entre ellos.
Tras sufrir una serie de reveses económicos, en 1914 obtiene el Primer Premio-Adquisición en el SNBA por Las Manilas (que rechaza por ser inferior a la tasación de la obra). Por indicación médica en 1916 se radica en las sierras de Córdoba, en Ojo de Agua de San Clemente. Allí produce parte importante de su obra (la serie La vida de un día, por ejemplo), que continúa exhibiendo en Buenos Aires a través de la Galería Müller. Recibe también alumnos que lo siguen desde la capital porteña.
Transita sus últimos años en Loza Corral, Ischilín. Fallece el 28 de febrero de 1935.
Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas

Ananké Assef: s/t (Proyecto PB)

Fotografía color
180 x 100 cm -2001/2003

Este trabajo forma parte de un proyecto más amplio de la artista (PB), en el que toma como punto de partida la representación del propio cuerpo. En este sentido, su obra remite a ciertas prácticas artísticas atravesadas por los estudios de género que se dieron fundamentalmente a partir de la década del '70 y que, coincidiendo con el impulso deconstructivo de cierta crítica posmodernista, realizaron un cuestionamiento de la tradición representacional de Occidente, basada durante siglos en la visión de un sujeto centrado, unitario, masculino […]. La situación de "autorretrato" es una de las vías recurrentes para efectuar esta crítica y es justamente la opción que hace Ananké Asseff. En una fotografía de tamaño natural se representa a sí misma de cuerpo entero con la mirada dirigida hacia la cámara en una actitud ambigua de ingenuidad-provocación. La escena se construye sobre un fondo limpio, neutro, con una iluminación muy cuidada que remite a ciertos modelos de la fotografía publicitaria.

Biografía

(Buenos Aires, 1971)
En 1979 se traslada junto a su familia a la ciudad Córdoba. Luego de una incursión a principios de los '90 en las artes escénicas, se vuelca hacia lo visual. Inicia así en 1994, de manera autodidacta, su actividad fotográfica en medios de prensa nacionales. Desde el año siguiente asiste a diversos cursos y talleres de fotografía y video experimental. Entre 1997 y 2002 se suma a los Talleres de Estética Fotográfica dictados por Eduardo Gil en Buenos Aires. Esto le brinda la oportunidad de tomar contacto con la obra de fotógrafos como Robert Frank, Martin Chambi y Josef Koudelka. Una referencia especialmente significativa la constituye el libro Constructed Realities (con obras de Jeff Koons, Bernard Faucon y Sandy Skoglund, entre otros), que la aproxima a nuevos planteos dentro de la fotografía. Realiza entonces Endoscopia, una serie de ‘fotografía instantánea’ […] (1998-2000), que es presentado en la Fundación Klemm y en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), sede Monserrat (2001, 2003). En 2001 recibe una beca del Fondo Nacional de las Artes y se radica en Buenos Aires. Trabaja en una nueva serie fotográfica, PB, sobre la idea de escenificación, tomándose a sí misma como sujeto fotográfico. En esta etapa, su obra es seleccionada para participar en el Salón Banco Nación, en el Cultural Chandon. Recibe el Premio-Adquisición en el IV Salón de Rosario (2001) y una Mención de Honor en el SNBA (2001). Participa en la Bienal Internacional de Artes Visuales 2002 y el mismo año se le otorga la Primera Mención en el Salón Banco Ciudad de Artes Visuales y el Premio Leonardo de Fotografía del MNBA.
Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Bolivia, Perú, México, Colombia, Cuba, Alemania, Holanda, México, España, Estados Unidos, Francia, Suiza y China. Sus trabajos han sido presentados en diversas publicaciones especializadas En 2012 se publicó su libro ANANKÉ ASSEFF: OBRAS 2001-2012.
Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas, con actualizaciones

Aída Carballo: Autorretrato con narices

Aguafuerte y aguatinta
62,5 x 49 cm -1964

En Autorretrato con narices, Carballo se sitúa en el contexto de las luchas estudiantiles en la Escuela de Bellas Artes. A diferencia de otros trabajos en los que realiza un esfuerzo descriptivo del entorno de los personajes, en esta obra se reducen los detalles anecdóticos. Su rostro aparece en primer plano, de frente, despegándose de los demás rostros que, representados de perfil, actúan como fondo. A falta de otros elementos que aporten información sobre la escena, un texto que aparece de manera fragmentaria en el ángulo superior derecho ("contra la opresión", se deduce), proporciona al espectador una clave interpretativa.
La obra, posiblemente una de las más difundidas de la artista, obtuvo el Premio de Honor "Ministerio de Educación y Justicia" en el SNBA (1964) y fue exhibida en SAPC, en el que Carballo participó como invitada. En el marco de este último evento fue adquirida para la colección del Museo Caraffa. La obra se encuentra también en las colecciones del MOMA de Nueva York y del Museo de Arte Contemporáneo Skopje de Macedonia.

Biografía

(Buenos Aires, 1916-1985)
Su formación artística se inició en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de la que egresó en 1937. Continuó en la Escuela Nacional de Cerámica y, en 1949, obtuvo el título de Profesora en Grabado en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Entre sus maestros figuran Fernando López Anaya, Adolfo Bellocq, Ceferino Carnancini y Fernando Arranz. Estudió pintura mural con Alfredo Guido (1951-1952). En 1953 establece su propio taller de cerámica. En esa época, se produjo su primera crisis que desembocó en su internación en una institución psiquiátrica durante algún tiempo. Durante 1958 y 1959, con el apoyo del gobierno francés, realizó un viaje de estudio a Europa. […] Visita Francia, España y Portugal. Más allá de los estudios académicos, la observación del trabajo de los artistas que admiraba (Goya, Rembrandt, Hogarth, Daumier, entre otros), fueron una importante vía de aprendizaje.
Se especializó en grabado, especialmente en las técnicas de metal y litográficas. Produjo dentro de esta disciplina una obra singular, manteniéndose al margen de ciertas tendencias del momento, aunque muy impregnada de lo que acontecía en términos sociales y políticos.
La mayoría de sus grabados fueron concebidos en forma de series (Los Amantes, Los Locos, Los Calvos herméticos, Los Colectivos, Los Levitantes, etc.) Su obra es fruto de una sensibilidad muy acentuada, que le permite efectuar un registro penetrante del universo cotidiano dejando, en ocasiones, cierto margen para el desborde fantástico. Esta subjetividad exaltada se pone especialmente en evidencia en los autorretratos que realiza en distintos momentos de su vida y que ofrecen una percepción muy aguda de sí misma y de las circunstancias en que se encuentra inmersa. […]
Obtuvo numerosos premios y distinciones: Primer Premio de Grabado en el Salón de Acuarelistas y Grabadores (1948); Gran Premio Adquisición en el Salón de La Plata (1949); Tercer Premio de Grabado (1961) y Premio Crítica de Arte (1963) en el SNBA; Segundo Premio Adquisición en el Salón Municipal Manuel Belgrano (1960); Premio Facio Hebequer de la ANBA (1977); Premio Konex, diploma al mérito en Grabado (1982), entre otras. Participó en exposiciones internacionales, principalmente integrando conjuntos de grabadores argentinos: Río de Janeiro (1960); Tokio y Berna (1961); Sudáfrica (1962).
Fue docente en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en la Escuela de Artes Visuales Manuel Belgrano, además de recibir alumnos en su taller particular. Realizó también ilustraciones para libros y publicaciones diversas, entre ellas, el diario La Nación.
Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas

Leo Chiachio / Giannone Daniel: Serie “Kabuki” (díptico)

Bordado a mano c/hilo de algodón y lurex s/pañuelo de hombre
40 x 40 cm c/u -2006

En este díptico de pequeño formato, Chiachio & Giannone ponen de manifiesto no solo la utilización del bordado para “pintar” paisajes y retratos, sino otra característica que define gran parte de su producción artística: el uso autorreferencial y performático de sus respectivas imágenes personales.

Biografía

Leo Chiachio (Buenos Aires,1969) y Daniel Giannone (Córdoba,1964) viven y trabajan juntos desde el año 2003. Leo estudio en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de La Cárcova” y con los profesores Pablo Suarez, Tulio de Zagastizabal, Ahuva Szlimowicz y Graciela Canero. Daniel estudió con los profesores Sergio Bazán, Teresa Lascano, Graciela Canero y Constanza Martínez.
En el evento “Estudio Abierto” (2003) produjeron “Hechizo” su primera obra en conjunto, en la que dos hombres desnudos duermen abrazados, rodeados de sapos. Formados como pintores, desde entonces decidieron transferir sus saberes y habilidades al lenguaje del bordado y el tejido, para elaborar autorretratos y paisajes. Con la misma actitud de un pintor, trabajan sus obras reemplazando el óleo, el acrílico o la acuarela por hilos y agujas.
La obra de estos dos artistas se entreteje con el activismo LGBTQ, del que toman su perspectiva. Una evidencia de esto es su proyecto Banderas de Orgullo, realizado en el CCK, como un work in progress y desarrollado durante varios meses, a modo de un taller de costura con intervención del público, el cual culminó con la participación personal y artística de Chiachio & Giannone en la marcha del Orgullo LGBTQ de Buenos Aires en 2018.
Ambos realizaron numerosas muestras colectivas e individuales, tanto en Argentina, como en el exterior: Centro Cultural Recoleta y galería Ruth Benzacar (Buenos Aires), MAC (Salta), Bahía Blanca, MACRO (Rosario), Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa y galería Artis (Córdoba), entre otros. Sus obras también fueron expuestas en San José, California; Saint Barthélemy, Francia y forman parte de colecciones privadas y públicas en Argentina y el exterior. En 2013, obtuvieron el Gran Premio Internacional de Tapisserie d’Aubusson, Francia.
Entre sus exhibiciones y proyectos más destacados figuran “El Mupi en el Macro” (2005) y Centro Cultural Recoleta (2007), CABA; ¿Quién puede vivir en esta casa? (2008); 5ª Bienal Internacional de Arte Textil, Palais de Glace, CABA (2009); “Sagrada Familia”, Guatemala (2009); Residencia Verbano, Programa de Residencias para Artistas Visuales en Industrias, Proyecto: “Ekeko” (2010); 2° Salón Nacional de Artistas, Cartagena de Indias. Colombia (2011); “Postal de San Jacinto”, tríptico, presentado en ¿Separados al nacer? Un encuentro del arte y la artesanía (2011); Museum of Arts and Design (MAD), Nueva York (2015); Journeys from de South, Victoria & Albert Museum, Londres (2015); Museum Rijswijk, Holanda, (2015), Museo de Calcos y Escultura Comparada Ernesto de La Cárcova, CABA (2015), “Piolín’s Time”, diseño exclusivo para Swatch, París (2016); Proyecto: Banderas del orgullo, en torno a la muestra “Familia a seis colores”, parte del guión curatorial “Democracia en obra”, CCK, CABA (2018), Swatch Art and Peace Hotel, residencia para artistas, Shanghai, (2018).

Nicola Constantino: Nicola y su doble frente al televisor

Fotografía / Ink jet print
110 x 176 cm -2010

La marca distintiva en esta obra reside en que el doble no es aquí un artilugio fotográfico, sino efectivamente un otro inanimado y artificial construido por la propia artista. En el film Trailer, que acompaña la serie de fotografías de Nicola y su doble, se relata desde la creación este alter-ego (casi a la manera en que Mary Shelley imaginó la confección de Frankenstein) hasta su muerte premeditada. El clima de estas obras adquiere mayor densidad por su componente autobiográfico.

Biografía

(Rosario, 1964)
Estudió en la Escuela de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Rosario. En 1996 se instaló en Buenos Aires, donde se convirtió en un referente destacado de su generación. Su trabajo, vinculado inicialmente a las nuevas indagaciones en el campo de la escultura (aunque luego incorporó medios como la fotografía y el video), combina una imagen polémica e incisiva, con la potencia de una técnica desarrollada a la perfección. Sus obras apuntan a provocar reacciones contradictorias en el espectador al colocarlo frente a situaciones extrañas, inusuales, que lo obligan a reconsiderar cualquier juicio estético. Desde su conocida serie de tapados, carteras y zapatos simulando piel humana (Peletería con Piel Humana, 1998-2001), el cuerpo ocupa un lugar central en su producción. A partir de él, Costantino genera dispositivos críticos vinculados con procedimientos de la moda y otras estructuras de control que operan sobre la identidad. Un giro importante se produce hacia 2004 cuando su propio cuerpo se vuelve objeto de representación. La continuidad de esta estrategia dio lugar a diversas series basadas en la utilización de la fotografía, en las que se destaca el aspecto escenográfico de elaboración de la imagen. La idea del doble recorre casi como una obsesión varios de estos trabajos entre los que se encuentra Nicola y su doble frente al televisor.
Entre las distinciones que ha obtenido se encuentran: Primer Premio de Escultura, Salón Amigos del Arte (Rosario, 1990); Beca de la Subs. de Cultura de la Pcia. de Santa Fe (1992); Beca de perfeccionamiento “Taller de Barracas I”, Fundación Antorchas (Buenos Aires, 1994); selección para el "CORE Program de Glassel School of Art" (Houston, 1995); beca FNA (1997); Mención Honorífica, Premio Fortabat (1999); Tercer Premio, Salón Nac. Manuel Belgrano (1999); "Generación Joven", Premio Leonardo (2000); Segundo Premio, Premio Costantini (2000); Premio Konex - Escultura (2002); Premio a la Artista Argentina, II Bienal de Arte de Buenos Aires (2002).
Participó en la Bienal Internacional de San Pablo (Brasil, 1998); y en la I Bienal Internacional de Liverpool, Lewis’s store (Inglaterra, 1999). La fundación Daros le dedicó una muestra monográfica en 2011 y en 2013, su obra sobre Eva Perón fue seleccionada para representar al país en la 55ª Bienal de Venecia.
Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas, con actualizaciones

Mauricio Lasansky: Autorretrato

Punta seca
30,5 x 21 cm -1939

Este pequeño grabado fue creado por el artista a la edad de 25 años, cuatro años antes de que emigrara del país. En él, manifiesta su maestría técnica, enmarcando su rostro de perfil y con rasgos adolescentes en un entorno en el que se destacan escaleras y arcos. Es propio de su etapa argentina.

Biografía

(Buenos Aires 1914 -Iowa, 2012)
Estudió grabado con su padre, un inmigrante polaco de origen judío. A los 16 años realiza su primera exhibición con mención honorífica y obtiene un premio de escultura a los 17 años. En 1933 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de Buenos Aires y en 1936 se establece en Villa María como director de la Escuela de Bellas Artes, a la vez que realiza numerosas exposiciones que culminan con una muestra individual en la Galería Muller de Buenos Aires, en 1943.
Ese mismo año emigra hacia la ciudad de Nueva York con una beca Guggenheim (ganaría otras cuatro con posterioridad) y por razones políticas adopta la ciudadanía norteamericana. Dos años más tarde, en 1945 se traslada a la Universidad de Iowa (UI) como profesor visitante de artes gráficas y tres años más tarde se convierte en profesor titular. Finalmente crea la escuela de grabado de la UI, que ofrece el primer programa de Maestría de Bellas Artes en esa área, en los EE.UU. Continúa en ese programa hasta su jubilación en 1984, después de lo cual continúa con su producción artística.
En la década de 1960 la revista Times lo denomina “el grabador más influyente de la nación”.
En su período argentino, Lasansky trabaja fundamentalmente con punta seca, y a su vez, incursiona en otras técnicas y desarrolla innovaciones en el grabado con placa de cobre. Al radicarse en Nueva York se dedica inmediatamente a estudiar la extensa colección de impresiones del Metropolitan Museum of Art y a experimentar utilizando diversas técnicas de intaglio en el Atelier 17 de esa ciudad, investigando particularmente la obra de Picasso que tuvo gran influencia sobre él, al igual que las de El Greco ,Goya, Modigliani, Chagall y Stanley William Hayter. Lasansky fue un gran innovador en la creación de grandes obras de arte con placas de metal, a veces combinando más de 50 placas para producir una única imagen.
Es conocido no solo como grabador, sino también como dibujante, en especial, a través de la serie “Los dibujos nazis”, producida entre 1961 y 1966. Esta serie de treinta y tres dibujos fue exhibida por primera vez en la apertura del Whitney Art Museum de New York, en 1967,
Mauricio Lasansky se distingue como docentes y es reconocido como uno de los grabadores más importantes del siglo XX. Sotheby's lo identifica como uno de los padres del grabado moderno. Recibe numerosos premios y reconocimientos en ambos campos de actividad.

Ricardo López Cabrera: Autorretrato

Óleo sobre tela
101,5 x 65,5 cm

Si bien suele destacarse la influencia que López Cabrera tuvo en el desarrollo del género del paisaje, durante su estadía en Córdoba, este artista se distinguió, asimismo, por sus retratos de personalidades de la élite cordobesa. En su autorretrato, en el que su imagen tiene una fuerte centralidad, da muestra de sus aptitudes en este género. Al autorrepresentarse, el autor resalta su profesión y su pertenencia de clase a través de su actitud y su vestimenta.

Biografía

(Cantillana, Andalucía, 1865 - Sevilla, 1950)
Se traslada siendo niño desde su pequeño pueblo natal a Sevilla. Luego de completar sus estudios primarios, cursa en la Escuela de Bellas Artes. Entre sus profesores se encuentra Eduardo Cano de la Peña. Toma también clases de música (es aficionado al violín). En 1897 obtiene una beca de la Diputación Provincial de Sevilla para estudiar en Roma durante dos años. En esa ciudad, donde permanece finalmente cuatro años, se vincula con otros pintores españoles también becados. No encuentra sin embargo demasiada afinidad con la pintura italiana, que le resulta demasiado "efectista". La obra que realiza allí permanece muy sujeta a los cánones académicos vigentes, dominada básicamente por la idea de un "dibujo correcto" de la figura humana. De regreso en Sevilla en 1892, toma contacto con el pintor José Jiménez Aranda, quien lo acepta como discípulo. En 1909 viaja a la Argentina y se radica en Buenos Aires. En 1912 se traslada a Córdoba, atraído por el ambiente de calma provinciana. Se incorpora a la APBA como docente, desempeñando una significativa labor, ya que introduce ciertos planteos del impresionismo. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Pedone, quien lo reconocerá como uno de sus maestros más importantes. En 1913 compite con Emilio Caraffa en un concurso organizado por la Universidad para decorar el plafond central del Salón de Grados, resultando ganador. La obra se ejecutada en 1915 pero afectada por la humedad se pierde completamente ocho años después. Durante su permanencia en la ciudad, realiza varias exposiciones en el Salón Fasce. En ocasión de la segunda, presenta una serie de paisajes, género que no había practicado hasta entonces y que comienza a desarrollar a partir de su contacto con las sierras (Tanti, Unquillo, Huerta Grande, La Falda, La Cumbre). Realiza también retratos de personajes de la alta sociedad cordobesa y escenas costumbristas. En 1920 renuncia a su cargo en la Academia y viaja a Buenos Aires y Rosario para presentar una serie de exposiciones. En 1923, impulsado en gran medida por el deseo de concretar una serie de pinturas sobre las regiones españolas, regresa definitivamente a su tierra natal y se aboca a este proyecto que lo ocupará durante varios años.

Fuentes: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas
Bondone, Tomás E. (2017). Ricardo López Cabrera. Córdoba: Zet Editora.

RES (Raúl Stolkiner): La camisa de Jorge Stolkiner

Fotografía directa analógica, copia C y textos generados digi-
talm, impresión lambda s/papel Kodak Portra
129,5 x 103; 18,5 x 103 cm -2002

En la serie Intervalos Intermitentes, a través de retratos construidos dípticamente, el artista destaca el paso del tiempo entre la primera y la segunda fotografía de personas con historias y profesiones diferentes. La peculiaridad de esta obra es que ha utilizado su propia imagen y la de su padre. RES hizo entallar una de las camisas de su éste, después de su fallecimiento, para vestirse con ella. Los personajes miran a la cámara e involucran al espectador, para generar algún tipo de emoción y respuesta. El contacto visual favorece que el observador se ubique en la posición de testigo, reduciendo la sensación de distanciamiento con la obra.
Los textos en la parte inferior de cada fotografía describen las situaciones de los personajes en el momento de la toma. Operan a modo de síntesis narrativa que incorpora las huellas de lo no representado, de lo que ocurre en el intervalo que acontece entre los registros.
Esta obra obtuvo el 2º premio del certamen AAMEC de fotografía contemporánea, 2010.

Biografía

(Córdoba, 1957)
Estudió fotografía en la Escuela de Artes Aplicadas Lino E. Spilimbergo, Córdoba. Hacia 1975 monta su propio estudio fotográfico (Estudio Argos). La fotografía se convirtió así en un medio de subsistencia, en tanto cursaba Ciencias Económicas en la UNC. En 1978 emigró a México. Estudió Economía Política en la Universidad Autónoma de México (UNAM, México DF), graduándose en 1983. Durante tres años cursó, además, el Taller de Fotografía de la misma universidad. Regresó a la Argentina en 1984 y se radicó en Buenos Aires. Continuó su labor como fotógrafo profesional, lo que incluyó fotografías de eventos sociales, retratos de artistas, reproducciones de obras y algunos trabajos ocasionales para El Porteño y La Maga. Posteriormente realizó producciones para Mística, Rolling Stone y otras revistas. En el año 2000 inició un Master of Arts in Communication en la European Graduate School de Suiza (2000-2002). Se concentró desde entonces en sus propios proyectos fotográficos.
Entre sus principales ensayos fotográficos se encuentran Yo Cacto (1995); El Plastiquito (1995-2000); Sobre J. L. Borges o El enloquecimiento de la esfera de Pascal (1996); NECAH 1879 (1996-2003) e Intevalos Intermitentes (1998-2003).
De sus numerosas presentaciones, cabe destacar su participación en las exposiciones U-ABC, en el Stedelijk Museum de Amsterdam (1989); Bienal de La Habana (1991,1997); 150 Años de Fotografía, en el Museo de Arte Latinoamericano de Washington (1989); Visión de una década, MAMBA, Buenos Aires (1992); Identidad y Diferencia - Trienal de Milán (1996); I y II Bienal Internacional de Arte, en el MNBA, Buenos Aires (2001, 2002); Bienal Internacional del Mercosur, en Porto Alegre (2003).
Ha obtenido numerosos premios, becas y distinciones. Cabe destacar el Premio Konex a las artes visuales 2012, el Premio Nacional de fotografía 2011, la Beca de Intercambio del Ministerio de Relaciones Exteriores de Argentina – Conaculta de México 2010, la Beca y el Subsidio de Antorchas, la Beca del Fondo Nacional de las Artes y la Beca de la European Graduate School entre otras.
Tres libros de su autoría se han publicado entre 2006 y 2009: El juicio, lo abyecto y la pata de palo, Buenos Aires, Centro Cultural Recoleta, 2009; Intervalos Intermitentes. Dilan Editores, Buenos Aires, 2008 y La verdad inútil, Buenos Aires, La marca editora, 2006.
Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas con actualizaciones.

Gustavo Silveti: Polaroid 6. Self

Fotografía. Toma directa, captura polaroid SX
70, copia ink-jet (1/6)
110 x 110 - 2014

Dentro del amplio espectro de exploraciones basadas en el uso de la fotografía en el arte de las últimas décadas, la obra de Silveti se sitúa entre aquellos que se despliegan a partir de un alto grado de conciencia respecto de las particularidades técnicas y las convenciones representacionales del medio. “Polaroid 6 – Self” da cuenta de esta línea de trabajo. La obra forma parte de la serie “Residuos”, basada en la experimentación con fotografía Polaroid (más precisamente, con las tradicionales cámaras SX-70) que el artista inicia alrededor de 2008. La degradación progresiva que sufren las imágenes obtenidas con este sistema, asociada a la utilización de sustitutos de la película original ofrecidos desde ese año por la firma Impossible Project (única alternativa disponible en el mercado, una vez que Polaroid discontinuara la fabricación de estos productos), es el punto de partida para el desarrollo de la serie. La dificultad técnica es justamente lo que impulsa al artista a manipular esos ‘residuos’ de imagen a través de recursos digitales, en un intento por preservarlos de la desintegración definitiva. La desaturación del color, el bajo contraste. Los contornos desdibujados que apenas permiten reconocer las formas (el propio rostro del artista, en este caso), definen la visualidad de la serie que, remedando una de las características de la fotografía instantánea, conserva también el formato cuadrado. Así, la tensión entre fugacidad y permanencia, sumada a un fuerte componente autorreferencial (que gravitan en buena parte de su producción) pueden reconocerse igualmente en el horizonte conceptual de este conjunto.

Biografía

(La Plata, 1969)
Hacia 1990 ingresó a la Facultad de Bellas Artes de La Plata y luego de tres años de cursado, abandonó estos estudios. Tomó clases de pintura con Pablo Contrisciani y comenzó a interesarse por la fotografía como medio artístico. Inició su formación en este terreno con el fotógrafo Mario Chierico, en 1992. Posteriormente, tomó clases con Ataúlfo Pérez Aznar (2002) y Juan Travnik (2003-2005) y realizó una clínica con Gabriel Valansi (2005-2008). En 2010 asistió a un taller de dibujo a cargo de Lux Lindner. Preocupado por aspectos teóricos de la práctica artística, tomó cursos de historia del arte, estética y filosofía con Marta Zátonyi, entre 2007 y 2012. […] Su participación en diversos certámenes artísticos le ha valido una serie de reconocimientos: Mención honorífica, Premio Argentino de Artes Visuales Fundación OSDE (2006); Segundo Premio, Concurso de Fotografía Contemporánea Argentina Metrovías (2006); Primer Premio-adquisición, Premio AAMEC de Fotografía Contemporánea Argentina (2014). Este último, concedido a su obra Polaroid 6 - Self, permitió su ingreso a la colección del Museo Caraffa.

Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas

Emiliano Gómez Clara: Autorretrato

Óleo sobre tela
23 x 17 cm -1908

En este autorretrato en pequeño formato, el artista se presenta como protagonista de la composición, con un ligero giro de su rostro con respecto al torso y la mirada orientada a cruzarse con la del espectador.

Biografía

(Río Cuarto, Córdoba, 1880 - Córdoba, 1931)
Inició su formación artística con Manuel Cardeñosa (de quien fue discípulo dilecto) y con Emilio Caraffa. Sus condiciones le valieron un temprano desempeño como profesor de dibujo en la APBA (1905-1907). En 1907, pudo continuar sus estudios en Europa con una beca del gobierno provincial, afincándose en Italia durante un extenso período. Asistió a la Academia Nacional de Roma y a algunos talleres particulares. En 1909 obtuvo el Primer Premio para Artistas Extranjeros en la Exposición Internacional de esa ciudad y al año siguiente recibió, en el mismo certamen, Medalla de Oro y Diploma de Honor. En 1911 se presentó al concurso organizado por el Patronato de Becados Argentinos en París, donde resultó igualmente premiado. La supresión de su beca por un recorte presupuestario durante el inicio del gobierno de R. J. Cárcano, lo colocó en una difícil situación. […]
En 1915 se decidió su designación como director de la APBA, en reemplazo de Emilio Caraffa. Su regreso a la ciudad para ocupar este cargo […] se produjo en 1916. A pocos días de su arribo a Córdoba, intervino como jurado de Escultura en el llamado Primer Salón de Córdoba, donde exhibió además algunas de sus obras. En la Academia, además de ocupar la dirección (en la que permaneció hasta su muerte), asumió las cátedras de Colorido Superior y Composición, e introdujo la enseñanza del aguafuerte. Fue responsable de la implementación del dibujo de desnudo con modelo vivo, modalidad que desató una resonada polémica, avivada principalmente desde sectores afines a la Iglesia. Esto derivó en un decreto gubernamental impidiendo su práctica. Por su iniciativa fue creada la Escuela Nocturna de Artes Aplicadas. Desde 1922 estuvo a cargo de la sección de bellas artes del Museo Provincial.
Sus retratos, desnudos y escenas urbanas, se caracterizan por la pincelada amplia y la sutileza de los matices cromáticos que dan lugar a la construcción de sugerentes atmósferas. Trabajó la acuarela, el óleo y el pastel. Realizó también pintura mural y obra ornamental, de la que cabe mencionar los paneles en la Iglesia del Buen Pastor, basados en bocetos de Emilio Caraffa. Su obra escultórica, menos conocida que la pintura, da cuenta de su interés por el retrato y la figura femenina.
A su intensa labor docente desplegada en el ámbito de la APBA debe agregarse su desempeño en el Aula de Dibujo de Figura I y II en la Escuela de Arquitectura de la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional de Córdoba y en la academia particular que, junto a Carlos Camilloni, sostuvo desde 1918. Allí impartió clases de dibujo, pintura y escultura, además de realizar trabajos por encargo (pergaminos ilustrados, retratos, placas, etc.). Aunque su participación en el SNBA fue más bien esporádica, su obra enviada a la edición de 1919 (Primeras luces), fue destacada en algunos medios porteños y adquirida por la CNBA. […]
Fuente: Museo Emilio Caraffa-Área Documentación- Info artistas